ЕЖЕНЕДЕЛЬНИК TVP: Когда люди начали танцевать?

ИОАННА СИБИЛЬСКА: Трудно сказать. Мы не знаем никакой конкретной даты. Для ответа на этот вопрос я бы использовала цитату из книги музыковеда Керта Сакса: «Танец как вид искусства элементарен и первичен по отношению к любому другому виду творчества, практикуемому человеком, потому что танцор использует свое собственное тело как инструмент». Мне очень нравятся эти слова, потому что они свидетельствуют о том, что танец имеет долгую историю и присутствовал в жизни людей с незапамятных времен.

Было много поводов для танцев. Так человек реагировал на то, что происходило вокруг него. Танец становился частью ритуалов, был связан с жизнью племени, добычей пищи, он давал ощущение общности. Сцены танцев были зафиксированы в наскальных рисунках и ритуалах богослужений, которые сохранились до наших дней в разных широтах. Известно, что танцевали в строю или в хороводе.

Со временем танцами руководил шаман, а ритуалы сопровождались голосом, хлопками и игрой на инструментах, сделанных из костей животных, дерева или раковин. Только в Средние века парные танцы стали изобретением европейской культуры.

Эти круговые танцы должны были каким-то образом объединить общину?

Да. Круг – это своего рода ограждение, где все равны, и в ритуалах, имеющих магическое значение, круг давал ощущение близости и связи, поскольку каждый пытался взаимодействовать через танец, чтобы получить какую-то выгоду. Среди прочих были танцы инициации, тотемистические танцы, лечебные танцы, похоронные танцы, танцы, которых целью было влияние на природные явления, танцы, связанные с охотничьей магией, которые, исполняясь вместе, обеспечивали процветание племени.

Возможно, наши предки хотели воздействовать на силы природы, но они также могли выразить свою радость от удачной охоты в танце. На самом деле, мы и по сей день иногда реагируем таким образом; когда мы хотим спонтанно выразить радость, мы буквально прыгаем от радости. Можно сказать, что мы не изменились как вид, но цивилизация изменила нас.

Первый хореолог Рудольф Лабан определил, что движения человеческого тела укладываются в форму икосаэдра. Так что каждый из нас имеет свой икосаэдр, и это относится к нашему виду независимо от эпохи, в которую жил человек.

Вероятно, упомянутые вами танцы, связанные с природными явлениями, до сих пор танцуют в некоторых частях света.

Вероятно, так оно и есть. Их целью было обеспечить дождь и хороший урожай. Аборигены, индейцы и другие этнические группы сохранили некоторые танцы коренных народов, которые передаются из поколения в поколение. В их ритуалы вписаны различные танцы для удовлетворения тех или иных потребностей.

До появления религии существовали примитивные верования, в которых танец играл важную роль. Мы можем найти упоминания о танцевальных ритуалах в хореографии 20-го века, например, в «Весне священной» Игоря Стравинского. Там есть сцена, в которой в жертву приносится девушка, чей танец должен пробудить землю к жизни после зимней спячки. Это очень сильно выражено в музыке, в ритмических изменениях. Девушка исполняет экстатический танец, который приводит ее к смерти. Существует множество хореографических версий этого балета: первое воплощение принадлежит Вацлаву Нижинскому, другие интересные аранжировки подготовили, в частности: Морис Бежар, Джон Ноймайер, Пина Бауш, Марта Грэм, Эмиль Весоловски или Матс Эк.

Танец стал важным элементом различных религий, и поэтому в Индии, например, танец может быть равнозначен молитве: в индийской школе бхарата-натьям мудра, или жесты рук, имеют символическое значение, так же как и позы тела, они строго определены, и только их безупречное исполнение может обеспечить благосклонность богов.

Только после принятия христианства танец отошел на второй план. Со временем он был исключен из религиозных ритуалов и стал формой развлечения в определенных социальных слоях.

Когда появился балет?

Уже в эпоху Возрождения появляются представления, называемые балетами, но они еще не были похожи на тот балет, который мы знаем по «Лебединому озеру» или «Щелкунчику». Это были придворные представления, в которых участвовали дворяне вместе с королем и королевой. Преобладали придворные танцы, которые танцевали в то время, а венчал представление так называемый «гранд-балет», в котором исполнители двигались, создавая различные пространственные рисунки.

В эпоху барокко эстетика танцев изменилась в связи с требованиями придворного этикета. Балеты по-прежнему исполняли придворные, танцуя менуэты, гавоты, шагая на вывернутых наружу ступнях, заботясь о том, чтобы изящно и грациозно водить руками в танце. Изысканность танцев барокко означала, что каждый аристократ должен был научиться танцевать, и сложная хореография представляла собой настоящий вызов для большинства – примером может служить урок танцев из балета «Золушка», когда злые сестры не могут правильно исполнить танец. Повышение сложности танцев в конечном итоге привело к профессионализации балета.

    Подписывайтесь на наш фейсбук  
  Людовик XIV, который был большим любителем танцев и блестяще танцевал в придворных балетах, решил создать несколько важных учреждений для танцев – Королевскую академию танца, Королевскую академию музыки, которая позже будет переименована в Парижскую оперу, а под конец своей жизни он издал указ о создании балетной школы. Это был 1713 год, и именно тогда была основана первая в мире балетная школа, которая начала принимать учеников и готовить их к профессиональной танцевальной деятельности.

Танцы при дворах продолжали служить развлечением, но также были созданы публичные театры, где стали проводиться балетные и оперные представления с участием профессиональных танцоров. Стоит напомнить, что до конца барокко балеты были смешанными представлениями. Они включали в себя пение, танцы и декламацию. Спектакли длились по 3-4 часа, а постановкой занимались лучшие мастера различных направлений во главе с балетмейстером.

Освобождение балетных представлений от слова и замена его пантомимой произошло в XVIII веке благодаря реформатору балета Жану-Жоржу Новерру. Именно он сделал балет самостоятельным видом искусства, и в память о его заслугах дата его рождения – 29 апреля – была установлена как Международный день танца.

Что происходит с этим танцем дальше?

Очень важные для балета изменения происходят в XIX веке. В эпоху романтизма появились пуанты – балетная обувь, позволяющая танцорам вставать на носочки. Так начинается балет, который мы знаем по репертуару, сохранившемуся до наших дней, например, «Жизель», «Сильфида» или «Корсар». Танцовщицы изображают призрачные фигуры, танцуя в бесплотных длинных платьях, на пуантах, которые помогают создать впечатление парения, полета прямо над землей. Балет стал визуализацией романтических грез и создавал необыкновенную ауру в театральных представлениях.

С самого начала существования балетной школы, созданной по инициативе Людовика XIV, в ней обучались танцовщицы или только танцоры?

Первое выступление профессиональных танцовщиц состоялось уже в 1681 году в балете «Триумф любви». В XVIII веке на сцену Парижской оперы вышло больше танцовщиц, которые заняли важное место в истории: Мари Салле славилась хорошей актерской игрой, а Мари Камарго – техническим мастерством.

Все танцовщики XVIII века выступали в костюмах, созданных по образцу придворных нарядов эпохи барокко, поэтому у мужчин-танцоров было больше свободы движений, чем у женщин. Камарго внесла изменения в костюм, укоротив юбку и опустив каблуки, чтобы продемонстрировать свое мастерство.

Несмотря на ее достижения, XVIII век был временем карьеры великих танцоров, среди которых Луи Дюпре, Гаэтано Вестрис и его сын Август стали известны как боги танца. После романтического периода, когда утвердилось господство женщин-танцовщиц, оттеснившее танцоров-мужчин в тень, наступило время очередных перемен в эстетике балетных спектаклей. Во второй половине 19 века балет развивается с технической стороны. У танцовщиц уже есть усиленные пуанты, которые позволяют им выполнять показательные элементы танца. Когда мы смотрим «Лебединое озеро», «Баядерку» или «Спящую красавицу», мы видим, что хореография создана для того, чтобы балерины могли продемонстрировать свое мастерство.

Это также время, когда танцоры в основном нужны в пантомимных сценах и в групповых танцах. Нередко мужские роли исполняли танцовщицы en travesti, то есть в мужских костюмах, например, в «Танце с плащами» в балете «Пахита».

Другая реформа танца происходит в конце 20-го века, когда рождается альтернатива балету, а именно современный танец?

С наступлением нового века мир ускоряется, что проявляется во всех отраслях промышленности и переносится на искусство, в том числе и на искусство танца. Айседора Дункан родилась в 1877 году и вышла на сцену в начале 20-го века, удивляя людей своими танцами. До тех пор никто не думал, что можно двигаться так естественно и танцевать под симфоническую музыку, не предназначенную композиторами для танцев.

Мысли Айседоры о танце были подхвачены представителями балета, среди которых наиболее значимой фигурой оказался русский хореограф Михаил Фокин. Именно он создал первые балеты для только что созданной труппы Сергея Дягилева – будущих «Русских балетов». Фокинская реформа балета была развита последующими хореографами, работавшими в «Русских балетах»: Вацлавом Нижинским, Леонидом Мясиным, Брониславой Нижинской, Джорджем Баланчиным и Сержем Лифарем.

Современный танец, как и балет, был ответом на новые тенденции в искусстве, которые появлялись как грибы после дождя. В Германии развивался экспрессионистский танец, который своими средствами и содержанием оказался в оппозиции к набирающему силу нацизму.

Создатели этой танцевальной техники были вынуждены покинуть страну, ими были вышеупомянутый Рудольф Лабан, а также Курт Йоосс, еврей по происхождению. Оба художника пережили Вторую мировую войну, а Курт Йоосс стал учителем выдающихся хореографов второй половины XX века: Биргит Кульберг и Пины Бауш, которые создали свои собственные труппы.

Это показывает, что танец не был изолированной областью, что он также проявлял культурные изменения, был их выражением?

Это правда. Театры танца стали особым местом, где проявлялись экзистенциальные проблемы, изображались отношения между людьми, отчуждение человека в индустриальном мире 20 века. Другим примером может служить буто, который также уходит корнями в экспрессионизм. Это японский театр танца, возникший в конце 1950-х годов и ставший ответом, в частности, на травматические события, связанные со сбросом атомных бомб на Хиросиму и Нагасаки. Называемый танцем тьмы, он основан на импровизации с явным акцентом на телесность без каких-либо прикрас.

В 1920-х годах в США появились такие танцоры, как Марта Грэм, Дорис Хамфри и Чарльз Вайдман, которые были учениками Теда Шона и его жены Рут Сен-Дени. Именно они заложили основы американского современного танца.

Грэм создала технику современного танца, в котором она стремилась обнажить движение и очистить его от всех ненужных украшений. Она была не только танцовщицей, но и хореографом и педагогом. На основе своего самобытного хореографического стиля Грэм разработала технику, элементы которой используются и сегодня.

Мерс Каннингем также работал в схожей с ней манере. Он, напротив, сосредоточился на самом движении, отвергая его осмысленность. В его работе было много концептуальной работы и работы с телом. В отличие от балета, современный танец более естественен, менее подвержен дисциплине, но стоит также отметить, что он был создан людьми XX века, с другим сознанием, другим багажом опыта.

Может возникнуть искушение сказать, что танец, как и другие виды искусства, был не только формой самовыражения, но и формой бунта?

Танец имеет свои собственные средства выражения, и, хотя, с одной стороны, он ограничен отсутствием слов, которые являются лучшими носителями идей, с другой стороны, он способен через движение создать сообщение, понятное всем. Двадцатый век считается веком танца, и это подтверждает его универсальность в передаче различных важных смыслов.

Один из лучших примеров – работа Мориса Бежара, который призвал к миру в своей постановке «Ромео и Джульетта» 1966 года, ставшей ответом, в частности, на войну во Вьетнаме. Прекрасная музыка Берлиоза перемежалась пулеметной стрельбой, а брат Лоренцо в сцене с Ромео и Джульеттой призывал их: «Любите друг друга! Не воюйте!» В его хореографическом видении «Симфонии № 9» Бетховена танцуют представители всех рас, чтобы показать, согласно тексту «Оды к радости», братство между людьми.

Похожий тон имеют и постановки «Ромео и Джульетты» Анжелина Прельжокажа и Кшиштофа Пастора. Постановки театра танца говорят о проблемах взаимоотношений между людьми. Таким образом, танец способен общаться с современной аудиторией и с легкостью оправдывать ее ожидания.

Что такое танец сегодня?

Танец может предложить многое, и только от нас зависит, как мы хотим это использовать. Можно быть зрителем в театрах и нетеатральных пространствах. Можно быть активным участником и относиться к танцу как к развлечению. Существуют танцевальные классы для людей всех возрастов. Возрождаются танцы и так называемые файфы [танцы в пять часов – прим. перев], проводятся дискотеки.

Развилась и хореотерапия, которая прекрасно подходит как для физического, так и для психического здоровья, высвобождая эмоции и доставляя удовольствие от танца. Танец по-прежнему играет ту же первоначальную роль, что и тысячи лет назад – он может великолепно интегрировать и создает невербальную коммуникацию, доступную каждому.

Является ли это путем к долголетию?

Безусловно, да, потому что танцы дают хорошую энергию. Однако, чтобы танцевать профессионально, нужно быть здоровым, чтобы справляться с ежедневными тренировками. Сегодня танцоры могут заботиться о своем теле, поддерживая его с помощью техник пилатеса, стретчинга и йоги. В истории танца есть много танцоров, достигших долголетия. В 20 веке рекорды долголетия принадлежали, в частности: Мари Рамбер, дожившей до 96 лет, Нинетт де Валуа – 102 года, Марте Грэм – 97 лет, Нини Тейладе – 103 года, Анне Халприн – 101 год, Иветт Шовире – 99 лет, а также Алисии Алонсо и нашей соотечественнице Нине Новак. Множество танцоров дожили до 80 лет. Это были полноценные артисты, пережившие войны и многие трудные времена, но, возможно, именно поэтому они умели ценить каждый счастливый день своей жизни.

Всегда ли танцевали в смешанных парах?

Когда-то в древнейших культурах существовали ритуалы отдельно для мужчин и женщин, например, танцы инициации. В древние времена некоторые мистериальные танцы также предназначались для определенного пола. Некоторые танцы исполнялись исключительно мужчинами, например, сиртаки, известный как танец Зорбы, произошел от хасапико, греческого военного танца. Танго сначала танцевали исключительно мужчины, как и венгерский танец вербункош, но это было связано с тем, что мужчины танцевали в ожидании работы или призыва в армию.

Скоро состоится финал конкурса «Молодой танцор года». Как вы думаете, в каком направлении будет развиваться танец, и являются ли эти молодые танцоры нашей надеждой на будущее, когда речь идет об этом виде искусства?

Наблюдая за конкурсом «Молодой танцор года» из года в год, я с оптимизмом смотрю в будущее и предвещаю польской Терпсихоре [греческая муза танца – ред.] хорошее будущее. Молодые люди хорошо подготовлены и знают, что они делают. Ценные замечания судей, безусловно, западут им в душу. Остается надеяться, что выпускники балетных школ найдут работу в польских театрах и будут развивать там свои навыки, ведь работа над своим ремеслом никогда не заканчивается.

20 век был веком танца, временем титанов хореографии. Артисты, связанные с танцем, в новом веке, безусловно, будут поддерживать добрые традиции своих предшественников и, надеюсь, завоюют позиции, причитающиеся танцу в мире СМИ, поскольку танец обладает магической силой объединять людей, влиять на чувствительность и доступен каждому.

– беседовала Марта Кавчиньска

 TVP ЕЖЕНЕДЕЛЬНИК. Редакторы и авторы

– перевод Денис Куценко

Иоанна Сибильска – выпускница Государственной балетной школы в Познани и государственной консерватории им. Николая Римского-Корсакова в Санкт-Петербурге, где она окончила две специальности: балетный историк и критик и хореограф-репетитор.

Она работала в Театральном музее в Варшаве, общеобразовательной балетной школе им. Феликса Парнелла в Лодзи, более 20 лет преподает в музыкальном университете имени Фредерика Шопена в Варшаве. Является назначенным преподавателем в общеобразовательной балетной школе им. Романа Турчиновича в Варшаве. Читает лекции в Мазовецком институте культуры и университетах III века. Авторка исторических текстов, в частности, в «Варшавском театре» (изд. Большой театр – Национальная опера 2018), ежеквартальном журнале Центра художественного образования «Художественная школа», балетных программах (Большой театр в Варшаве, Силезская Опера, Вроцлавская Опера); авторка биографических статей артистов балета в «Биографическом словаре польского театра», т. III, PAN, Варшава 2017, ста биографий на сайте Большого театра в Варшаве. Автор двух победивших школьных презентаций на конкурсе «Память», организованном Институтом музыки и танцев. В планах – защита докторской диссертации на тему «Развитие балета в Варшаве, Санкт-Петербурге и Москве в XIX веке. Трансформации, связи, эстетика» и написание книги по истории польского балета.